L'Artista: Flo Noseda

Flo Noseda è un’artista che vive e lavora a Como, da sempre impegnata nella ricerca interiore attraverso l’arte, le discipline orientali e la pratica del kintsugi. Il suo percorso creativo nasce dall’incontro tra pittura, materia e spiritualità, in una continua esplorazione del gesto consapevole e della trasformazione.

L’incontro, in età adulta, con le danze sacre meditative ha rappresentato una svolta profonda nella sua ricerca artistica: ogni movimento del corpo, ogni postura e ogni gesto sono diventati parte integrante del segno pittorico, rendendo il tratto sulla tela espressione di presenza, ascolto e crescita personale. Quando la superficie della tela non è più bastata a contenere questa ricerca, Flo Noseda ha iniziato a lavorare la materia, alleggerendola e trasformandola, proseguendo il segno attraverso la ceramica e l’argilla.

Nelle sue opere, l’argilla — mutevole e viva tra le mani — lascia spazio al non finito, all’imperfezione e alla possibilità di diventare ciò che deve essere. Una visione profondamente affine alla filosofia del kintsugi, dove la fragilità e le fratture diventano parte della bellezza e della memoria dell’opera.

Mostre personali e collettive, corsi e seminari dedicati alle danze meditative hanno accompagnato nel tempo il suo cammino artistico, segnato da una costante ricerca spirituale ed espressiva. Il suo lavoro racconta un equilibrio sottile tra materia e anima, nel segno di una poetica “perfettamente imperfetta”.

Gli Artisti

Stefano Epis

In occasione del Fuorisalone 2026, Stefano Epis presenta una nuova ricerca che mette in dialogo arte e design attraverso il suo caratteristico linguaggio scomposto. Le opere invitano il visitatore a un rapporto diretto e tattile: possono essere accarezzate, esplorate e trasformate attraverso l’interazione, dando origine a un dialogo personale tra artista, opera e pubblico.

Con “IO”, Epis rappresenta il nostro centro nel mondo, il punto da cui osserviamo e ascoltiamo ciò che ci circonda. In questo nuovo capitolo della sua ricerca, l’artista introduce inoltre colore e trame, segnando un’evoluzione rispetto al nero che aveva caratterizzato fino ad oggi la sua produzione.

Davide Montanaro

Designer industriale attivo in diversi ambiti del progetto contemporaneo, Davide Montanaro sviluppa una ricerca che attraversa sistemi tecnici, arredo, illuminazione, strutture modulari e allestimenti, con particolare attenzione a materiali, tecnologie e processi produttivi.

Il suo lavoro interpreta il design come pratica responsabile e in continua evoluzione, fondata sulla relazione tra materia, gesto e quotidianità. Al Fuorisalone 2026, Montanaro presenta un percorso immersivo in cui la luce attraversa materiali differenti, trasformando lo spazio e la percezione del visitatore.

Stefano Paulon

La ricerca di Stefano Paulon nasce dal disegno e dall’esplorazione della geometria come strumenti per ricercare ordine, equilibrio e sintesi. Dal segno alle architetture ideali, fino agli oggetti destinati agli spazi pubblici e privati, il suo percorso conserva una costante tensione contemplativa, trasformando la materia in uno spazio di riflessione.

Per 3LOGY – Design Week 2026, Paulon presenta oggetti concepiti come piccole architetture della percezione. Vetro, legno e cemento dialogano attraverso equilibri di trasparenza e peso, mentre elementi geometrici in foglia oro e argento emergono come nuclei di luce.

L'Artista: Armando Moneta

Nato a Milano nel 1967, dove vive e lavora, scopre dopo le scuole medie le sue due passioni principali: fotografia e musica. Dopo il liceo scientifico si iscrive a Giurisprudenza, che abbandona per studiare fotografia al CFP Bauer, diplomandosi nel 1991.

Inizia subito l’attività professionale dedicandosi alla fotografia di scena e collaborando con Silvia e Roberto Masotti al Teatro alla Scala. Successivamente diventa per oltre dieci anni fotografo ufficiale dell’Orchestra I Pomeriggi Musicali. Intorno al 2000 lavora con un gruppo di musicoterapia, esperienza che sfocia in una mostra sul disagio mentale.

Nel tempo amplia il proprio ambito all’architettura e al reportage per istituzioni ed editoria specializzata. Parallelamente svolge per circa un decennio attività di consulenza aziendale in ambito qualità e formazione, competenze che confluiscono nell’insegnamento della fotografia avviato nel 2016.

Attualmente tiene corsi di ripresa analogica e camera oscura presso il CFP Bauer e organizza workshop di fotografia analogica e digitale. Nel 2022 è invitato al Festival della Mente di Sarzana per un laboratorio di fotografia creativa per bambini.

Musicista attivo dalla fine degli anni ’80 tra scena underground, jazz e sperimentazione, porta avanti anche una ricerca personale sull’immagine legata alla fotografia istantanea, esposta in mostre in Italia e Svizzera. Continua a comporre e suonare chitarra elettrica in progetti di musica creativa.

L'Artista: Orazio Stasi

Nato a Tricarico (MT) nel 1956, manifesta fin da giovanissimo una profonda inclinazione per il disegno e la pittura, passioni che lo accompagneranno per tutta la vita. Dopo gli studi artistici, prosegue la sua formazione presso l’Accademia di Belle Arti di Brera, dove approfondisce le tecniche pittoriche e matura una personale visione estetica che coniuga rigore formale e libertà espressiva.

Nel 1982 intraprende la carriera di libero professionista, dedicandosi inizialmente al disegno di tessuti. Il suo talento e la sua sensibilità cromatica lo portano ben presto a ricoprire il ruolo di direttore artistico presso la Mantero SpA, una delle più importanti aziende tessili a livello internazionale. Durante i dieci anni trascorsi in azienda, Stasi sviluppa una profonda conoscenza dell’evoluzione del gusto e dello stile, osservando da una posizione privilegiata i mutamenti del linguaggio visivo e delle tendenze estetiche.

Nel 1995 viene chiamato a Firenze da Gucci, che lo vuole come designer. Negli anni successivi consolida la propria reputazione collaborando con prestigiose realtà del design e dell’arte applicata, tra cui Emilio Pucci, Calvin Klein, Brioni, Bulgari e Richard Ginori, per la quale realizza collezioni di piatti e complementi d’arredo.

La sua esperienza lo porta a intrecciare rapporti di amicizia e collaborazione con alcuni tra i più importanti artisti e designer della scena milanese e non di fine anni Ottanta, come Frank Stella, Fiorucci, Keith Haring, un periodo di grande fermento creativo che segna in modo indelebile la sua poetica.

Oggi, attraverso la sua ricerca pittorica, Orazio Stasi continua a esplorare il dialogo tra forma, colore e materia, dando vita a opere figurative che raccontano la sua lunga esperienza nel mondo dell’arte e del design.

Vive e lavora a Como dal 1960.

L'Artista: Stefano Paulon

Stefano Paulon (1963, Cernusco sul Naviglio - Milano) è artista, autore, designer e collezionista; vive e lavora tra Milano, Como e Finale Ligure. Parallelamente ad esperienze professionali nel settore del design industriale e del marketing, ha sviluppato un percorso artistico caratterizzato da una profonda ricerca sulla geometria tridimensionale e sulla relazione tra superfice, forma e spazio.

Inizialmente interessato al disegno al tratto e allo studio della figura umana, nel tempo la sua attenzione si è spostata verso la progettazione di complementi d'arredo e allo sviluppo di concept nell'ambito dell'illuminotecnica e dell'architettura. Il suo lavoro artistico si distingue per un linguaggio minimalista, dove la geometria diventa strumento di introspezione e comunicazione visiva, mirando a generare un senso di armonia ambientale e concettuale.

Le opere di Paulon sono caratterizzate da forme elementari, ridotte all'essenziale, che si relazionano in modo preciso e calibrato con lo spazio circostante. Ogni elemento, pur nella sua semplicità, invita lo spettatore a riflettere sulle dinamiche che intercorrono tra la solidità della materia e la sua percezione nello spazio. La ricerca si concentra non tanto sull'apparente complessità formale, ma sulla ricerca di un equilibrio perfetto, dove ogni forma trova il proprio posto e il proprio respiro.

Il colore nelle opere di Paulon gioca un ruolo altrettanto fondamentale. Il bianco della neve e del talco, il grigio della nebbia e del fumo, il nero del buio e dell'asfalto; questi toni evocano sensazioni di purezza, di transitorietà, di una bellezza essenziale che si nasconde nella semplicità. Ogni colore, scelto con precisione, non è mai solo un elemento decorativo, ma un segno che dialoga con la forma e lo spazio, conferendo un ritmo silenzioso e attrattivo a ciascuna composizione.

Le sue opere infine, per la capacità di instaurare un dialogo tra pieni e vuoti, tra luce e ombra, tra ordine e intuizione evocano un senso di contemplazione e spiritualità, con l'obiettivo di trasformare la geometria in un linguaggio sensibile che invita lo spettatore a una riflessione interiore di profonda religiosità e trascendenza. Oggi l'attività espositiva di Paulon interessa sia istituzioni pubbliche che private, sia in Italia che all'estero.